Jeśli szukasz kariery w pisaniu muzyki i orkiestracji, istnieje wiele możliwości w dziedzinie muzyki do gier wideo. Kompozytor gier wideo współpracuje z twórcami gier nad tworzeniem ścieżek dźwiękowych do gier wideo, składających się z tematycznej i przypadkowej muzyki, która jest słyszalna w trakcie rozgrywki.
Wierzcie lub nie, niektóre z najsłynniejszych nagrań w historii zostały wykonane przez ludzi, którzy widzieli muzykę po raz pierwszy. W połowie XX wieku profesjonalne zespoły studyjne, takie jak The Wrecking Crew i The Funk Brothers, tworzyły utwory do przebojów Top 40, mimo że ledwo znały utwory, które wykonywali. W hollywoodzkich studiach filmowych profesjonalne orkiestry często śledzą wskazówki do filmu w jednym ujęciu. Jak to jest możliwe? Bo ci muzycy są mistrzami czytania a vista.
Zanim zagłębisz się w opanowanie techniki gry na pałeczkach — od podstaw perkusyjnych na padach do ćwiczeń po jam session z innymi muzykami — będziesz chciał wzmocnić rodzaj uchwytu, którego używasz do trzymania pałeczek.
Sztuka pisania piosenek łączy wiele umiejętności. Jeśli chodzi o muzykę, autor tekstów lub zespół autorów piosenek musi zająć się strukturą utworu, melodią, harmonią, rytmem i instrumentacją. Poza tymi elementami muzycznymi autorzy piosenek muszą również zmierzyć się z pisaniem tekstów. Chociaż nie ma jednoczącej tajemnicy pisania świetnych tekstów, opracowanie procesu pisania może utrzymać skupienie od pierwszej do ostatniej linijki.
Zbliżanie się do otwarć szachowych może być onieśmielającą częścią nauki gry. Istnieją setki możliwych otwarć i setki dobrze zbadanych wariacji opartych na tych otworach. Wśród tych tysięcy możliwości, Gambit Królowej jest jednym z najstarszych i najbardziej znanych otwarć, wykorzystywanym z wielkim skutkiem przez wielu arcymistrzów od XIX wieku do dziś. To także świetne otwarcie dla początkujących.
Silne ucho wewnętrzne jest niezbędne do zrozumienia kompozycji muzycznej, dlatego prawie każda szkoła muzyczna wymaga od uczniów uczęszczania na zajęcia słuchowe. Wielcy muzycy mają zaawansowane umiejętności słuchania, które poprawiają jakość ich występów, a te umiejętności są integralną częścią studentów muzyki lub każdego, kto chce lepiej słuchać, rozumieć i wykonywać muzykę.
Romantyczny okres muzyki klasycznej trwał przez większą część XIX wieku. Wypełnił lukę między klasyczną muzyką Mozarta i Haydna a muzyką XX wieku. Muzyka epoki romantyzmu ma duży wkład w repertuar dzisiejszych orkiestr symfonicznych.
Melodia jest chyba najbardziej rozpoznawalnym elementem kompozycji muzycznej. Może to być uduchowiony pasaż wokalny, ryczący riff gitarowy lub szybki saksofon. Melodie mogą być proste lub skomplikowane. Mogą stać samodzielnie lub współpracować z innymi melodiami w bardziej złożonej kompozycji.
Muzyka instrumentalna składa się z trzech zasadniczych elementów: rytmu, melodii i harmonii. Ostatni z tych elementów – harmonia – jest reprezentowany przez akordy.
Świetny skrzypek musi gromadzić wiedzę z wielu dziedzin. Technika gry jest oczywista – skrzypkowie muszą umieć pochylać się, dotykać i szarpać struny swojego instrumentu w dowolny sposób, od pierwszej pozycji do drugiej, trzeciej i czwartej pozycji. Kolejnym wymogiem jest znajomość wielkiej literatury skrzypcowej. Od Mozarta, Beethovena i Brahmsa po Marka O'Connora i Jean-Luca Ponty'ego, istnieje obfitość muzyki skrzypcowej we wszystkich gatunkach, z którymi można się spodziewać, że gracze będą zaznajomieni. Wymagana jest również umiejętność czytania nut na kluczu wiolinowym. Wreszcie, a może przede wszystkim, skrzypkowie muszą zrozumieć swój własny instrument. Chociaż istnieje cała gama profesjonalistów, którzy budują, zmieniają i naprawiają skrzypce – ci ludzie są znani jako lutnicy – oczekuje się, że gracz będzie wykonywał drobne prace konserwacyjne na swoim własnym instrumencie. Będzie musiał również znać partie instrumentu, aby móc prowadzić dialog z nauczycielem, innymi muzykami lub dyrygentem.
Napisanie piosenki wymaga kreatywności i inspiracji. Ale dzięki solidnemu zrozumieniu podstawowych elementów pisania piosenek, możesz skomponować trwałą i chwytliwą piosenkę.
Muzyka filmowa odgrywa w kinie kluczową rolę. W erze kina niemego orkiestracje na żywo towarzyszyły niemym obrazom w kinach. Gdy technologia pozwoliła na dodawanie ścieżek dźwiękowych do taśm filmowych, partytury muzyczne splotły się z wizualnymi obrazami filmów.
We wczesnych dniach gitary elektrycznej był tylko jeden sposób, aby wpłynąć na jej dźwięk: podkręcić głośność wzmacniacza, aż zaczął się zniekształcać. Później wzmacniacze dodały efekty, takie jak korektor, pogłos i tremolo, z których to ostatnie jest czasami błędnie oznaczane jako vibrato. Prawdziwe vibrato polega na nieznacznej zmianie wysokości wybrzmiewającej nuty. Najlepiej uchwycono to za pomocą głośników obrotowych, jak te produkowane przez korporację Leslie. Z efektu vibrato wyszedł efekt chóru.
Muzyka składa się z trzech podstawowych elementów: melodii, harmonii i rytmu. (Muzyka śpiewana doda czwarty element: teksty). Te dwa pierwsze elementy, melodia i harmonia, opierają się na aranżacji tonów. I chociaż te dwa elementy działają w tandemie, nie należy ich mylić ze sobą.
Spośród całego eksportu kultury Argentyny niewiele miało wpływ na tango argentyńskie. Od początku XX wieku tango argentino i tradycja tańca tanga rozprzestrzeniły się w Ameryce Łacińskiej, Europie, Ameryce Północnej i poza nią, stając się fenomenem muzyki światowej.
Muzyka składa się z trzech głównych elementów — melodii, rytmu i harmonii. Podczas gdy pierwsze dwa są zazwyczaj odpowiedzialne za to, że utwór muzyczny zapada w pamięć — pomyśl o początkowym motywie V Symfonii Beethovena lub syntezatorowym zagrywce Timbalanda w piosence Jay-Z Dirt Off Your Shoulder — to trzeci element, harmonia, może wznieść kawałek od zwykłego i przewidywalnego do wymagającego i wyrafinowanego.
Kiedy kompozytorzy i aranżerzy chcą przekazać muzykowi informacje rytmiczne bez konkretnych zaleceń dotyczących wysokości lub barwy, często używają nut duchów.
Forma sonatowa jest ostoją klasycznej teorii muzyki. Oprócz dobrze znanego zastosowania w sonatach fortepianowych, klasyczna forma sonatowa kierowała konstrukcją wielu symfonii, koncertów i kwartetów smyczkowych.
Wczesne gitary elektryczne miały brzmieć czysto i jasno. Pionierscy gitarzyści elektryczni, tacy jak Charlie Christian, grali w dużych orkiestrach jazzowych i używali wzmacniaczy do grania solówek w stylu saksofonu i trębaczy. Do dziś większość muzyków jazzowych preferuje dość czyste brzmienie swojej gitary elektrycznej. Ale gracze bluesa i rocka widzą to inaczej. Począwszy od lat 50. gracze z tych gatunków podkręcali swoje wzmacniacze gitarowe do maksymalnej głośności. Służyło to do przesterowania lamp próżniowych, które zasilały urządzenia. Wyprodukował poziom ciężkiego nasycenia, który szybko został pokochany zarówno przez graczy, jak i publiczność. I stąd narodził się termin overdrive.
Elektroniczna muzyka taneczna rozwinęła się skokowo w XXI wieku. Dzięki pojawieniu się oprogramowania DAW (Digital Audio Workstation) każdy, kto posiada niezawodny komputer domowy, może zostać producentem EDM.